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Fetichismo

En la batcueva estamos revolucionados (y nuestras carteras en consecuencia): habemus plato. Habemus minicadena, con su plato para vinilos. Y vinilos. Y escuchando a clásicos como Beethoven, Gardel, Sinatra, The Beatles, The Who, Dylan, Chuck Berry, Grateful Dead, etc… y no tan clásicos como Siniestro Total, Depedro y PJ Harvey, pues viene a la cabeza el concepto de fetichismo. O frikismo, que también. Pero sobre todo el disfrutar de la música. Que sí, que también se hace con el aTunes, pero no es lo mismo.

Pero, coño, que bien suenan, qué gozada sacar los LPs de 12″ (también tenemos algún single de 7″ ý algún maxisingle por aquí, aún inéditos para mi) de sus fundas, comprobar si está rallados, poner a girar el cacharro, poner la aguja y… joder, ¿cómo puede ser igual eso que el MP3? Las escuchas son más conscientes. Y las disfrutamos. Mucho. Y celebramos la llegada de cada álbum.

Sólo nos falta hacer un guateque, en plan auténtico, y poner el single del ‘Black is black’ de Los Bravos que tenemos, y ‘Hey Jude’ en plan lentita para acabar. Sería precioso.

Estamos trabajando en ello. Cuando tenga el 10 % de esos álbumes me hago una foto imitándole.

 

QBEC en formato analógico.

 

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World Changing Gigs (Conciertos que cambian el mundo)

Este artículo (está un poco más abajo) lo leí en Sabotage Times, y al ir a fusilarlo copiarlo-pegarlo para el disfrute de todos y todas descubrí que no es suyo. Si no que es de Grenfiddich. Sí, Grenfiddich, los del whiskazo, allá por Escocia. Pues resulta que tienen una web llamada Glenfiddich Explorers (editada por un tal Steve Hobbs) con cosas variadas (desde postres decadentes, los edificios centrales de compañías más espectaculares, ciudades amuralladas, lugares de rodaje de películas, etc.), así que aquí hay que mencionarlo.

Decir que suele ser normal buscar los conciertos o actuaciones que han cambiado el rumbo de la música. De los que no están aquí y merece la pena mencionar, la presencia de Elvis el 9 de septiembre de 1956 y The Beatles el 9 de febrero de 1964 en el programa de Ed Sullivan.

En el caso de Elvis, el programa fue visto… por 60 millones de personas (82,6 de share). En 1956. Ojito. Por lo visto no le dejaron tocar todo el tiempo que tenía, ya que Ed Sullivan no le quería en el programa. En la revista Time se dijo en mayo de 1956 que “his movements suggest, in a word, sex”. Y como recoge Glenn C. Altschuler en All Shook Up: How Rock ‘n’ Roll Changed America (2003), un tal Jack Gould en The New York Times decía que sus movimientos del cuerpo y de la lengua eran un ‘flagrante flaco servicio a la nación’ (o como leches se traduzca ‘a gross national disservice’). A la muerte de Elvis en agosto de 1977, el Washington Post escribía esto:

“Their hunches of their parents’ fears were well confirmed after Presley’s appearance on a 1956 Ed Sullivan show. While millions of teenagers screamed in unison across the land, a Catholic priest in New York scorned Sullivan for this ‘moral injury’ and condemned Presley for his ‘voodoo of defiance and frustration’”.

Y el mismo Jack Gould (un visionario, sin duda), escribió: “His one specialty is an accentuated movement of the body that heretofore has been previously identified with the repertoire of the blonde bombshells of the burlesque runway”.

El caso es que Elvis entró en casa de 60 millones de personas. Y el rock n’ roll nunca volvió a ser lo mismo. Ni la música popular.

Elvis en el The Ed Sullivan Show

The Beatles en Estados Unidos… el comienzo de la British Invasion. Y la actuación en el programa del viejo Ed Sullivan fue lo más simbólico. Lo más simbólico, y lo más importante, qué carajo. 73 millones. 73 millones de espectadores. Esa cifra acojona incluso ahora mismo. Con Elvis las cosas habían cambiado, pero de repente que lleguen unos tipos de Liverpool haciendo coñas, y esté el país revolucionado… demasié.

Jack Paar, de la NBC, sacó a The Beatles en su programa (en una grabación de la BBC) un mes antes que Ed Sullivan porque… “I thought they were funny. I brought them here as a joke […] I didn’t know they were going to change the culture of the country with music”. En su programa dijo “These guys have these crazy hairdos and when they wiggle their heads and the hair goes, the girls go out of their minds. Does it bother you to realize that in a few years these girls will vote, raise children and drive cars? I just show you this in case you’re going to England and want to have a fun evening.

Y se dice que la actuación de The Beatles en The Ed Sullivan Show fue el cambio definitivo para la música popular. Leí nosedonde que si Nirvana no hubiese existido, una parte de la música actual no existiría. Pero que si The Beatles no hubiesen existido, la música actual no existiría; ellos crearon la escena. Los 750 miembros de la audiencia (3000 se quedaron en la calle) vivieron El Cambio Definitivo.

Y, sin más, os dejo con el artículo este:

A great music show can change the world. Check out the venues where history was played.

Burn baby burn

Frank Sinatra, Hoboken Union Club, New York, 1935

Sinatra’s ‘big break’ came in 1935 when his mother persuaded local singing troupe The Three Flashes to let the 20 year old sing with them onstage at the Hoboken Union Club. Renamed as the Hoboken Four, the band were seen by talent scout, Edward ‘Major’ Bowes who offered the group a spot on his talent competition, Major Bowes Amateur Hour. Attracting 40,000 votes from listeners, the band won first prize in the contest – a six month contract to perform on stage and radio across the US.

Moondog Coronation Ball, Cleveland Arena, 1952

The brainchild of Alan Freed, the Cleveland DJ who first coined the term Rock and Roll, The Moondog Coronation Ball stands in history as the world’s first rock concert and featured a bill that included Screamin’ Jay Hawkins, The Dominoes, Tiny Grimes, The Rockin Highlanders and Paul ‘Hucklebuck’ Williams. However the show never took place. Overselling of tickets meant 25,000 young Americans turned up to the 10,000 seat venue and in the ensuing riot, police and fire marshals shut down the show after just one song.

Elvis, Overton Park Shell, Memphis, 1954

Another strong contender for the title ‘World’s first Rock and Roll Show’, Elvis’ first paid performance at the Overton Park theatre on 30 July 1954 was as support for Slim Whitman – until he stole the show with his rendition of That’s All Right. Legend has it that Elvis was so nervous onstage that his legs started to shake uncontrollably. The effect, exacerbated by the wide flairs he was wearing, had such an effect on the audience’s young women that it remained part of Elvis’ stage show for the rest of his life.

The Beatles, Cavern Club, Liverpool, 1961

The band who invented pop music, The Beatles had been playing at the Cavern Club in Liverpool since 1957 as The Quarrymen, however it wasn’t until the legendary jazz club started experimenting with lunchtime rock and roll gigs in 1961 that The Beatles found their spiritual home. In the autumn of 1961 the band had just returned from a stint in Hamburg, Germany playing the clubs along the Reaperbahn and recording their first single, My Bonnie, with singer Tony Sheridan. They had been asked to play at the Cavern at lunchtime on 9 November to a crowd that included Brian Epstein, a Liverpool music shop owner. After the show, Epstein went backstage to meet the band in their ‘broom cupboard’ dressing room and a partnership was formed that would forever change the history of popular music.

Bob Dylan, Newport Folk Festival, 1965

On 25 July 1965, Dylan’s conversion to an electric band, with the first ‘plugged in’ show of his career, was met with boos from a hostile, folk-orthodox crowd. Having won over Newport audiences in both ’63 and ‘64 with rootsy, acoustic sets, Dylan’s perceived betrayal of his fan base at this show marked his cross over from folk to rock music, heralding a new direction for both musical styles.

Rolling Stones, Altamont, 1969

The free San Francisco show that closed the 1960s ended with the stabbing of fan, Meredith Hunter by Hells Angels, invited by the Stones’ to provide security for ‘Woodstock West’. Chronicled in the harrowing road movie, Gimme Shelter (1970), Altamont was the nightmare that killed the Hippy dream.

Jimi Hendrix, Isle of Wight Festival, 1970

Hendrix’s infamous guitar burning performance, late on Sunday 30 August 1970, effectively marked the end of the era of the free music festival that had been characterised by US shows like Woodstock and Altamont. An estimated 700,000 people showed up on the tiny British island, mostly without tickets, to see a line up which included Joan Baez, Free, The Doors and The Who. The chaos caused by marauding fans and the complete commercial failure of the concert ensured it would be the last event of its kind for almost 30 years.

Sex Pistols, Lesser Free Trade Hall, Manchester, 1976

If everyone who later claimed to have attended the Sex Pistol’s first show at Manchester’s Free Trade Hall on 4 June 1976 had in fact been there, the band would have easily been able to fill Madison Square Gardens. In truth however only around 40 people attended the show that changed music forever, although they included the next generation of Manchester music luminaries: Morrissey (The Smiths), Mark E Smith (The Fall), Pete Shelley and Steve Diggle (The Buzzcocks), Ian Curtis, Bernard Sumner and Peter Hook (Joy Division) and Tony Wilson (Factory Records supremo and Hacienda club owner).

Live Aid, Wembley Stadium, 1985

Organised by Bob Geldof (Boomtown Rats) and Midge Ure (Ultravox) to raise money for famine relief in Ethiopia, Live Aid was the biggest music show in history. With concerts held simultaneously in London, Philadelphia and a host of other destinations around the world, the show was broadcast live to an estimated 400 million viewers, in 60 countries via satellite for 16 hours and raised over £150 million for NGOs in Africa.

Nirvana, MTV Unplugged, Sony Studios New York, 1993

The band which brought music back to basics after the electronic over indulgence of the 1980s, Nirvana’s Unplugged session was the very antithesis of the contemporary rock show. Playing mainly lesser known material and a few obscure covers, with an entirely stripped back, acoustic band, while front man, Kurt Cobain, howled his death rattle vocals from an old rocking chair, this was the show that cemented Nirvana’s position as the most influential rock band since the Beatles. Six months later Cobain was dead, having committed suicide at his Seattle home.

Evolución de las manos en conciertos

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Mixtapes, o cintas de varios

Mix tapes mark the moment of consumer culture in which listeners attained control over what they heard, in what order and at what cost“.

Matias Viegener, incluido en Mix Tape: The Art of Cassette Culture

Parece que hay un fantasma que recorre el mundo moderno. Y no es precisamente el comunismo, sino el fantasma… de las cintas de cassette. Y más concretamente, de las muy míticas cintas de varios (mixtapes en inglés). Esta entrada la empecé a pensar hace ya mes y pico, pero entre higos y brevas (¡visite nuestro bar!) lo he dejado en suspenso, dejando el blog en medio barbecho, copiando-pegando artículos y posts, y con un par de entradas para la sección Top 5.

Chicos, chicas, las cassettes están de moda, muy de moda. Y hay lámparas también.

¿Y cómo es esto de las mixtapes, preguntarán los más jovenzuelos? Pues, queridos míos, antes de las listas de reproducción del Spotify, de los MP3, e incluso antes de los CDs de varios, vemos las cintas de varios, una gran pieza de cultura contemporánea (que sí, de verdad, que hay hasta artículo ad hoc en la Wikipedia, y hasta se hacen cosas con ellas, como iri5 y su Ghost in the Machine). En mi caso, aparte de haber hablado sobre el tema con gente, en diciembre, a partir de sacarme el carnet de conducir, he tenido la necesidad de encontrar cintas (o hacerlas) para usarlas en el coche (¡Oh, cosas del destino! Dani Cabezas, el del blog Entrada Gratuita de 20minutos.es se encuentra ahora mismo en la situación, y ha hecho un concurso de cintas, que no tengo más remedio que promocionar, porque es una idea cojonuda). Y de hecho, en agosto hice mi segunda cinta de varios en menos de un año. Aunque tengo que decir que el resultado fue decepcionante, porque a pesar de ser una magnífica selección, el sonido no acompañaba, y la cinta se quedaba muda más de la mitad del tiempo. Así que al final he optado por comprarme la cinta con cable para poder conectar el iPoZ, e ir feliz y contento con el coche por las calles de Madrid y las carreteras de Castilla. Además, he descubierto otra cinta (que no sabía donde se había metido) con grandes éxitos de ayer y hoy, con Extremoduro, Reincidentes, Platero y tú, The Doors, Bob Marley, The Beatles… Aún no había leído a los ortodoxos de la materia. Pero molan esos viajes al pasado que dan esas pequeñas cosas de plástico duro, esos ‘joder, cómo podía escuchar con tanta pasión a XXXXX (ponga aquí el nombre de un grupo que ahora no escuche ni jarto’ vinos).

Gran anuncio de Kiss FM

Para estos que aún no captan lo bonito que era hacer una cinta de varios, varios puntos:

-          no había música por Internet. Disponías de la música que tuvieses. En CD… y en otras cintas. En muchos casos cintas que tenían algo debajo y que habías grabado algo por encima, y cintas con grabaciones de grabaciones. O con temazos de la radio. Sonido sin parangón. Y no tenías tantísima música. El problema que encontré haciendo un varios para mi hermano (hago de cuando en cuando para su coche)… es el exceso. El MP3 es excesivo. Según mi aTunes, en mi ordenador tengo (agregado al programa, claro), 4766 canciones. 12 días, 13 horas, 12 minutos y 53 segundos de música (si las cifras 12:13:12:53 que aparecen en la parte de abajo significan eso) a la hora de escribir esto, a 24 de octubre), y en el disco duro externo hay bastante más. ¿80-90 minutos teniendo 10 días? Uf, es difícil elegir, por puro exceso. Antes, había casos que por defecto. Y le daba un puntito… de dificultad al asunto.

-          Se necesita tiempo. Al menos una tarde. Porque no sólo es grabar (que 90 minutos ocupaba por cojones), sino porque hay que elegir las canciones, ponerlas en un orden, y además…

-          El Gran Reto: que la selección fuese lo más cercano a 45+45 minutos. ¿Qué se hacía si sobraba espacio? ¿O faltaba? Pues nada, o dejabas una canción a medias, o un minuto en blanco…

-          Además, el momento arte. Y eso lo pongo en palabras de Hernán Casciari en Orsai: “escribo el nombre de las canciones con buena letra azul de imprenta”. Y Dani Cabezas, de nuevo: “como si todavía siguiese invirtiendo un largo rato en decorarlas con rotuladores de colores”. Había que escribir los grupos y los nombres de las canciones bien, con buena letra, que se entendiese.

Luego está lo común a los CDs de varios: pensar. Pensar en para qué quieres ese varios. Pensar en qué le puede gustar a la persona a la que le haces el varios. Joder, este tipo de cosas no se pueden hacer por las buenas. Y cito a Nick Hornby:

“To me, making a tape is like writing a letter — there’s a lot of erasing and rethinking and starting again. A good compilation tape, like breaking up, is hard to do. You’ve got to kick off with a corker, to hold the attention (I started with “Got to Get You Off My Mind”, but then realized that she might not get any further than track one, side one if I delivered what she wanted straightaway, so I buried it in the middle of side two), and then you’ve got to up it a notch, or cool it a notch, and you can’t have white music and black music together, unless the white music sounds like black music, and you can’t have two tracks by the same artist side by side, unless you’ve done the whole thing in pairs and… oh, there are loads of rules” (Nick Hornby, High Fidelity)

Porque una cinta no es una mera suma de canciones. Es un espíritu. Es un poco lo que decía Georg Lúkacs sobre la conciencia del proletariado: “Esa conciencia [de clase] no es, pues, ni la suma, ni la media de lo que los individuos singulares que componen la clase piensan, sienten, etc.” (Historia y conciencia de clase). Frikada pedante aparte, creo que ilustra bien lo que quiero decir. En fútbol, los titulares de un equipo no son la conciencia del equipo. El equipo es algo por encima. Que parte de todos, y es parte de la suma de todos. Lo mismo: una mixtape, cuando está bien hecha, tiene un espíritu, y este espíritu combina el autor, para quién o qué está hecho, las canciones, etc. Y, además:

“The process of making a mix tape gave people a connection with music that the electronic version simply can’t replace. Because it is so easy to drag and click a mix into existence, the sense of satisfaction with making what many feel is a work of art gets diminished.” (Joel Keller, ‘PCs killed the mix-tape star’)

Ahora, se pone el iPoZ/MP3 en aleatorio… y el algoritmo famoso hace el trabajo. Ahora si quieres una canción la consigues, sin más. Ahora listas en Spotify si quieres hacer un varios a alguien. Ahora para que los colegas te pasen música basta con colgar canciones en el muro en Facebook (y yo el primero).

“Yes, making a mix tape required a level of commitment that just isn’t necessary in our precise-copy, drag and drop, click and burn world.” (Max Mobley, ‘Requiem for the Mixtape’).

Sonaban mal. Se atascaban. Se perdían. Se tardaba en hacerlas.

Pero de cuando en cuando se echan de menos.

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Justo hoy que escribo esto, la compañía Sony ha decidido dejar de fabricar el famoso walkman. Día triste. (El País, The Guardian)

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Tipologías de versiones

Mucho se habla de las versiones que se hacen de las canciones, y muchos blogs suelen optar por poner la original y varias versiones y comentarlas, como en las ‘relecturas’ de Musiqueando, por mencionar un blog amiguete. De las pinículas se suelen llamar remakes, pero eso es otro tema que prefiero no tratar, y tampoco tienen muy buena prensa en general (¡lanzo el guante a quien lo quiera recoger y escribir sobre ese tema!). Con los libros, se pueden hacer reediciones con traducciones diferentes, pero en el idioma original esa posibilidad no suele existir – claro, casos como El Quijote u obras de Shakespeare, trasladándolo al castellano o inglés actual. Nos dedicaremos a las musicales, entonces.

Para empezar, varias preguntas:

¿Para qué se hacen las versiones? ¿Por qué un grupo elige una canción concreta de otra persona y la toca, graba y demás?

Creo que para responder a esta pregunta hay que plantearse qué tipo de versiones hay en la música, y porqué (creo) que se hacen. Obviamente, no vengo de profeta por la vida, pero cuando se suele hablar de versiones, se podría dividir en general en una de las siguientes tipologías.

Versiones literales: estas son bastante comunes, pero creo que sobre todo en los comienzos de la industria musical masiva, con Elvis, The Beatles, Frank Sinatra, etc. Básicamente, son versiones que utilizan la misma letra y la misma música, dentro de las posibilidades interpretativas (y vale, la musicalidad de la voz como instrumento, si nos ponemos pedantes). Supongo que en muchos casos se hacía para que un artista emergente o semiconocido se apoyase en uno de sus referentes. Esta peaso reflexión me ha venido después de ver cómo por ejemplo Elvis Presley mete ‘Blue Suede Shoes’ de Carl Perkins (1955), ‘I Got A Woman’ de Ray Charles o ‘Tutti Frutti’ de Little Richard en su primer disco (Elvis, 1956), o The Beatles meten ‘Roll Over Beethoven’ en With The Beatles (1963). También hablar de los discos-homenaje a cantantes, o cantantes consagrados que ‘aprueban’ a posibles discípulos metiendo algún temazo suyo cantado por ellos en un disco o un concierto. En este sentido podríamos decir que hay versiones ‘literales’ para lanzarse al estrellato, otros de reconocimiento de los ‘discípulos’, y otra de reconocimiento del ‘maestro’. Aunque vamos, esta tipología de versiones las suelo ver como eso, homenaje, sea cual sea la motivación (incluida ésta o ésta). Supongo que en esta categoría deberían entrar las ‘cover bands’ – o ‘bandas tributo’ –, pero… pasando. No terminan de molar.

Versiones en la música: también común a patadas, en todas las épocas y todos los estilos que se quiera. Ponerte a hacer una lista puede hacerte echar un par de vidas (aunque siempre se puede echar un ojo a webs como Second Hand Songs, Cover Vs. Originals o The Covers Proyect). Me refiero a las versiones donde se mantiene la letra, pero la música cambia. Y hay versiones de todo tipo, desde dentro de un mismo estilo hasta versiones que nos dejan alucinando como la versión de ‘Bad Romance’ de Lady Gaga que ha hecho Lissie hace más bien poco, y que ya colgué en un post anterior junto a otras versiones de la misma canción. Sobre las motivaciones, de todo hay, desde homenajear dentro de un mismo mundo hasta, creo yo, reconocer al Mundo De La Música en general dejando a muchos pensando si es ortodoxo dentro del moderneo-coolismo cantar letras hechas famosas por Britney Spears o mover las caderas salseramente al ritmo de ‘Dancing Shoes’ de Artic Monkeys. Y decir que este tipo de versiones son las que hacen que los análisis textuales de las canciones para explicar comportamientos y significados a nivel identitario no valgan para gran cosa.

Luego está la tercera y – desde mi punto de vista – más curiosa variedad: misma música y diferente letra. Porque normalmente se tiende a hacer desde las traducciones de canciones tipo ‘Lola’ de M-Clan que comentábamos en el post sobre The Kinks hasta coñas de todo tipo en el idioma que sea. Desde Richard Cheese hasta El Reno Renardo, pasando por Siniestro Total, Gigatrón o Los Berzas. Pero eso, luego llegamos a la especialización local, y que parece que algunos ‘arti-tas internasionaleh’ como Shakira o así hacen por defecto, como sufrim… como vimos con el ‘Waka-Waka’ este del Mundial. Y esta especialización son las versiones que consisten en la traducción y ajuste del texto (por aquello de que cuadre con la música). ¿Y motivaciones? Pues incluso las que son coña, diría que un claro homenaje a los creadores originales – aunque habrá casos en los que supongo simplemente el grupo B vea que una canción se ajusta a la sarta de paridas que va saliendo, como en ‘Camino Moria’ (no veo a El Reno Renardo homenajeando de todo corazón a Gabinete Caligari).

Por último, y como cosa mencionable, también están los casos donde se meten ‘morcillas’ de algunas canciones en otras las, desde Joaquín Sabina metiendo ‘Knockin’ On Heaven’s Door’ allá donde puede, como punkarras tipo Piperrak metiendo una parte de ‘Pedro Navaja’ (acabo de escuchar la canción y al grupo después de… muchísimo tiempo, y joder, no hay quien lo aguante. Y en casos como este segundo, la sorpresa es mayúscula bastante sorpresa.

En fin, el 85 % de esto lo tenía escrito de hace un ratejo ya, y por acabarlo y colgarlo. ¿Dónde quiero llegar con esta parrafada? Pues a ningún sitio, copón. Sólo es que me gusta escuchar versiones de canciones que me gustan. Y este blog, como bien se indicó allá por el Manifiesto Fundacional, está para que me dedique a verter chorradas en el internéee. And that’s all, folks.

Propuesta de esas que luego no triunfan: poned en los comentarios vuestras versiones favoritas, y luego pongo un post con las de cada uno, o algo así. Anda. Dadle cera. ;-)

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