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World Changing Gigs (Conciertos que cambian el mundo)

Este artículo (está un poco más abajo) lo leí en Sabotage Times, y al ir a fusilarlo copiarlo-pegarlo para el disfrute de todos y todas descubrí que no es suyo. Si no que es de Grenfiddich. Sí, Grenfiddich, los del whiskazo, allá por Escocia. Pues resulta que tienen una web llamada Glenfiddich Explorers (editada por un tal Steve Hobbs) con cosas variadas (desde postres decadentes, los edificios centrales de compañías más espectaculares, ciudades amuralladas, lugares de rodaje de películas, etc.), así que aquí hay que mencionarlo.

Decir que suele ser normal buscar los conciertos o actuaciones que han cambiado el rumbo de la música. De los que no están aquí y merece la pena mencionar, la presencia de Elvis el 9 de septiembre de 1956 y The Beatles el 9 de febrero de 1964 en el programa de Ed Sullivan.

En el caso de Elvis, el programa fue visto… por 60 millones de personas (82,6 de share). En 1956. Ojito. Por lo visto no le dejaron tocar todo el tiempo que tenía, ya que Ed Sullivan no le quería en el programa. En la revista Time se dijo en mayo de 1956 que “his movements suggest, in a word, sex”. Y como recoge Glenn C. Altschuler en All Shook Up: How Rock ‘n’ Roll Changed America (2003), un tal Jack Gould en The New York Times decía que sus movimientos del cuerpo y de la lengua eran un ‘flagrante flaco servicio a la nación’ (o como leches se traduzca ‘a gross national disservice’). A la muerte de Elvis en agosto de 1977, el Washington Post escribía esto:

“Their hunches of their parents’ fears were well confirmed after Presley’s appearance on a 1956 Ed Sullivan show. While millions of teenagers screamed in unison across the land, a Catholic priest in New York scorned Sullivan for this ‘moral injury’ and condemned Presley for his ‘voodoo of defiance and frustration’”.

Y el mismo Jack Gould (un visionario, sin duda), escribió: “His one specialty is an accentuated movement of the body that heretofore has been previously identified with the repertoire of the blonde bombshells of the burlesque runway”.

El caso es que Elvis entró en casa de 60 millones de personas. Y el rock n’ roll nunca volvió a ser lo mismo. Ni la música popular.

Elvis en el The Ed Sullivan Show

The Beatles en Estados Unidos… el comienzo de la British Invasion. Y la actuación en el programa del viejo Ed Sullivan fue lo más simbólico. Lo más simbólico, y lo más importante, qué carajo. 73 millones. 73 millones de espectadores. Esa cifra acojona incluso ahora mismo. Con Elvis las cosas habían cambiado, pero de repente que lleguen unos tipos de Liverpool haciendo coñas, y esté el país revolucionado… demasié.

Jack Paar, de la NBC, sacó a The Beatles en su programa (en una grabación de la BBC) un mes antes que Ed Sullivan porque… “I thought they were funny. I brought them here as a joke […] I didn’t know they were going to change the culture of the country with music”. En su programa dijo “These guys have these crazy hairdos and when they wiggle their heads and the hair goes, the girls go out of their minds. Does it bother you to realize that in a few years these girls will vote, raise children and drive cars? I just show you this in case you’re going to England and want to have a fun evening.

Y se dice que la actuación de The Beatles en The Ed Sullivan Show fue el cambio definitivo para la música popular. Leí nosedonde que si Nirvana no hubiese existido, una parte de la música actual no existiría. Pero que si The Beatles no hubiesen existido, la música actual no existiría; ellos crearon la escena. Los 750 miembros de la audiencia (3000 se quedaron en la calle) vivieron El Cambio Definitivo.

Y, sin más, os dejo con el artículo este:

A great music show can change the world. Check out the venues where history was played.

Burn baby burn

Frank Sinatra, Hoboken Union Club, New York, 1935

Sinatra’s ‘big break’ came in 1935 when his mother persuaded local singing troupe The Three Flashes to let the 20 year old sing with them onstage at the Hoboken Union Club. Renamed as the Hoboken Four, the band were seen by talent scout, Edward ‘Major’ Bowes who offered the group a spot on his talent competition, Major Bowes Amateur Hour. Attracting 40,000 votes from listeners, the band won first prize in the contest – a six month contract to perform on stage and radio across the US.

Moondog Coronation Ball, Cleveland Arena, 1952

The brainchild of Alan Freed, the Cleveland DJ who first coined the term Rock and Roll, The Moondog Coronation Ball stands in history as the world’s first rock concert and featured a bill that included Screamin’ Jay Hawkins, The Dominoes, Tiny Grimes, The Rockin Highlanders and Paul ‘Hucklebuck’ Williams. However the show never took place. Overselling of tickets meant 25,000 young Americans turned up to the 10,000 seat venue and in the ensuing riot, police and fire marshals shut down the show after just one song.

Elvis, Overton Park Shell, Memphis, 1954

Another strong contender for the title ‘World’s first Rock and Roll Show’, Elvis’ first paid performance at the Overton Park theatre on 30 July 1954 was as support for Slim Whitman – until he stole the show with his rendition of That’s All Right. Legend has it that Elvis was so nervous onstage that his legs started to shake uncontrollably. The effect, exacerbated by the wide flairs he was wearing, had such an effect on the audience’s young women that it remained part of Elvis’ stage show for the rest of his life.

The Beatles, Cavern Club, Liverpool, 1961

The band who invented pop music, The Beatles had been playing at the Cavern Club in Liverpool since 1957 as The Quarrymen, however it wasn’t until the legendary jazz club started experimenting with lunchtime rock and roll gigs in 1961 that The Beatles found their spiritual home. In the autumn of 1961 the band had just returned from a stint in Hamburg, Germany playing the clubs along the Reaperbahn and recording their first single, My Bonnie, with singer Tony Sheridan. They had been asked to play at the Cavern at lunchtime on 9 November to a crowd that included Brian Epstein, a Liverpool music shop owner. After the show, Epstein went backstage to meet the band in their ‘broom cupboard’ dressing room and a partnership was formed that would forever change the history of popular music.

Bob Dylan, Newport Folk Festival, 1965

On 25 July 1965, Dylan’s conversion to an electric band, with the first ‘plugged in’ show of his career, was met with boos from a hostile, folk-orthodox crowd. Having won over Newport audiences in both ’63 and ‘64 with rootsy, acoustic sets, Dylan’s perceived betrayal of his fan base at this show marked his cross over from folk to rock music, heralding a new direction for both musical styles.

Rolling Stones, Altamont, 1969

The free San Francisco show that closed the 1960s ended with the stabbing of fan, Meredith Hunter by Hells Angels, invited by the Stones’ to provide security for ‘Woodstock West’. Chronicled in the harrowing road movie, Gimme Shelter (1970), Altamont was the nightmare that killed the Hippy dream.

Jimi Hendrix, Isle of Wight Festival, 1970

Hendrix’s infamous guitar burning performance, late on Sunday 30 August 1970, effectively marked the end of the era of the free music festival that had been characterised by US shows like Woodstock and Altamont. An estimated 700,000 people showed up on the tiny British island, mostly without tickets, to see a line up which included Joan Baez, Free, The Doors and The Who. The chaos caused by marauding fans and the complete commercial failure of the concert ensured it would be the last event of its kind for almost 30 years.

Sex Pistols, Lesser Free Trade Hall, Manchester, 1976

If everyone who later claimed to have attended the Sex Pistol’s first show at Manchester’s Free Trade Hall on 4 June 1976 had in fact been there, the band would have easily been able to fill Madison Square Gardens. In truth however only around 40 people attended the show that changed music forever, although they included the next generation of Manchester music luminaries: Morrissey (The Smiths), Mark E Smith (The Fall), Pete Shelley and Steve Diggle (The Buzzcocks), Ian Curtis, Bernard Sumner and Peter Hook (Joy Division) and Tony Wilson (Factory Records supremo and Hacienda club owner).

Live Aid, Wembley Stadium, 1985

Organised by Bob Geldof (Boomtown Rats) and Midge Ure (Ultravox) to raise money for famine relief in Ethiopia, Live Aid was the biggest music show in history. With concerts held simultaneously in London, Philadelphia and a host of other destinations around the world, the show was broadcast live to an estimated 400 million viewers, in 60 countries via satellite for 16 hours and raised over £150 million for NGOs in Africa.

Nirvana, MTV Unplugged, Sony Studios New York, 1993

The band which brought music back to basics after the electronic over indulgence of the 1980s, Nirvana’s Unplugged session was the very antithesis of the contemporary rock show. Playing mainly lesser known material and a few obscure covers, with an entirely stripped back, acoustic band, while front man, Kurt Cobain, howled his death rattle vocals from an old rocking chair, this was the show that cemented Nirvana’s position as the most influential rock band since the Beatles. Six months later Cobain was dead, having committed suicide at his Seattle home.

Evolución de las manos en conciertos

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Sobre versiones

Otra entrada copiada, que hasta podría entrar en la categoría QBEC Crea Tendencia. Hoy, un reportaje de El País en el que se intenta ver el porqué de la resurección masiva de discos de versiones, una de las grandes preocupaciones de este, vuestro blog, como se pudo ver allá por julio con esa entrada de ‘Tipologías de canciones‘, y de las cuales se ha hablado más adelante.

 

¿PARA QUÉ CREAR? VERSIONA (Por Íñigo López Palacios)

Músicos consagrados compiten con recopilaciones de éxitos ajenos – ¿Homenaje a los grandes o crisis de creatividad? – La industria agradece el camino fácil.

Es casi epidémico. En los últimos meses grupos de todos los estilos, muchos de ellos considerados clásicos, han publicado discos con canciones de otros. No hay datos concretos, pero se multiplican. Es una avalancha de veteranos revisionistas. Por citar unos cuantos: Peter Gabriel, Santana, Eric Clapton, Phil Collins, Marc Anthony, Liza Minnelli, Rod Stewart, Tom Jones, Cyndi Lauper, Brian Wilson, Herbie Hanckock o Robert Wyatt. “Cuando hablamos de discos de versiones rápidamente me vienen a la cabeza cuatro motivos por los que un artista se quiere enfrentar a tal reto: la vagancia, la falta de creatividad, la búsqueda del dinero rápido o el auténtico y sentido homenaje”, dice Leopoldo Alcaraz, jefe de producto musical de FNAC España.

Sea lo que sea, funciona. Una mirada rápida a la lista de los discos más vendidos en España esta semana permite ver que en el tercer puesto está Going back, el doble álbum de Phil Collins de versiones de soul de los sesenta. En el cinco, el de Eric Clapton. Santana, tocando trillados temas de guitarra, está también entre los 20 primeros.

“Phil Collins tuvo un éxito brutal hace muchos años con una versión de Supremes, supongo que algún espabilado le ha dicho que haga un disco entero así”, especula Javier Liñán, director de la discográfica independiente El Volcán, y la persona que ha coordinado Viaje satélite alrededor de Carlos Berlanga, un álbum en el que 22 artistas nacionales reinterpretan canciones del fallecido músico español. Un respetuoso tributo que ha entrado en el puesto 35 de la lista. “Los casos que mencionas suelen ser estrategias de mercadotecnia, no sinceros homenajes la mayoría de las veces. Es gente que no vende un disco de canciones originales hace mucho tiempo. Muchos de ellos ni siquiera son autores. Necesitan girar, y facturar. Por eso hacen este tipo de proyectos conceptuales basados en repertorios de demostrado éxito. Cada caso se merece un análisis aislado, pero en general siempre obedece a estrategias para revitalizar carreras apoyadas en repertorios de éxito demostrado”, dice.

Con la industria discográfica sufriendo una larga agonía, los nuevos lanzamientos han pasado a un segundo plano de relevancia comercial. Eso permite por un lado que los artistas valientes corran más riesgos, pero también crea una especie de desgana que hace que los músicos con contratos que les obligan a entregar discos se los quiten de encima con lo primero que se les ocurre: un directo, el enésimo recopilatorio… o versiones. Pero tampoco es justo apuntar solo a los veteranos. The Baseballs, un trío alemán de rockabilly vocal formado en 2007 por tres veinteañeros lleva 400.000 copias colocadas en toda Europa de Strike back!, su disco de presentación. Su baza son las versiones al estilo del rock and roll de los cincuenta de éxitos recientes del pop como ‘Umbrella’, de Rihanna, o ‘Poker face’, de Lady Gaga. “No es una invención nuestra, ni es nueva. Así surgió el rock and roll. Tocamos las canciones que nos gustan en el estilo que nos gusta. Lo mismo que hacían Elvis o Jerry Lee Lewis. Cuando escuchas rock and roll, es tan importante lo que les pasa a tus oídos como lo que les ocurre a tus pies. Es escuchar música como si fueras niño. No piensas en el mensaje de las canciones. Simplemente sientes que te hacen feliz”, dice Basti (Sebastian Raetzel), miembro del grupo.

Al otro lado del Atlántico pasan cosas parecidas. La serie estadounidense de televisión Glee es un musical dirigido al público juvenil; un fenómeno que esta semana ha superado a los Beatles en el número de canciones en el top 100. A los de Liverpool les costó cinco años incluir 75 canciones en lista. El reparto de Glee lo ha logrado en 14 meses. Su discográfica, Sony, cuelga las canciones en Internet inmediatamente después de la emisión de cada capítulo. Y del último han entrado seis: cinco versiones de Britney Spears y una de Paramore , grupo que se hizo famoso por participar en la banda sonora de Crepúsculo.

Es algo parecido a lo que hizo Operación Triunfo en sus primeras ediciones cuando los discos de los triunfitos eran cada semana los discos más vendidos despertando airadas reacciones de músicos como Manolo Garcia. “No dudo que OT tenga permiso legal para utilizar mi canción, pero desde luego no cuenta con mi aprobación. Y me hubiera gustado que se me preguntara si quería formar parte de este -perdonen pero es lo que a mí me parece- circo. Una cosa es que la ley permita publicar discos con nuevas versiones sin mi autorización y otra muy diferente, creo yo, es que sin yo quererlo me vea incluido en un programa de televisión con cuya filosofía y valores no comulgo en absoluto”, escribía en 2002.

Porque legalmente hay una diferencia entre interpretar una canción ajena y hacer una obra derivada. “Si la cantas igual que la original, o con modificaciones menores en la instrumentación, simplemente hay que pagar los derechos correspondientes al autor o sus herederos legales. Pero si modificas el tema, es el caso de un cambio en la letra o una traducción, hay además que pedir permiso”, explica Paloma Llaneza, abogada especializada en derechos de autor y nuevas tecnologías. El problema a veces es saber cuándo se pasa esa frontera. “Si se reconoce por parte del intérprete se llega a un acuerdo. Si no, se entra en temas judiciales. Es básicamente un mecanismo de prueba”.

En un mundo desmemoriado, a veces de lo que se trata es de recuperar un tema olvidado pero reconocible. “Una canción de éxito, si no está muy trillada, la vuelves a grabar y es un éxito otra vez. Hay que saber pillar el pulso de los tiempos y de las tendencias y elegir la canción adecuada en el momento adecuado”, dice Liñán. De lo que se trata en ocasiones es de llevarla de un público a otro, como han hecho The Baseballs: “Hay gente que piensa que los temas son nuestros. Generalmente el público de otras generaciones, que no está al tanto de las listas de éxitos. Y, al revés, hay jóvenes que creen que se trata de temas de Elvis. Versión es un término muy amplio. A menudo la gente piensa que es solo cantar canciones que otros cantaron antes. Pero no es tan sencillo. No se trata de hacer karaoke, sino de arreglarla en una nueva manera. De deconstruir la original y reconstruirla. A veces funciona, otras veces la nueva versión no es tan diferente de la original. Pero si funciona, el efecto puede ser muy grande. Si hacer versiones fuera tan poco creativo ‘Hound dog’ sería aún un blues lento, ‘That’s all right mama’ no te haría bailar y ‘Whole lotta shakin’ goin’ on’ solo la conocería un puñado de personas”.

Pero cada caso es un mundo. “No tiene nada que ver Rod Stewart, que lleva no sé cuántos Songsbooks y que se ha convertido casi en un artista que solo hace temas de otros, con el de Tom Jones, que es un disco de música religiosa, muy ambicioso. ¿Todos están cogiendo el camino fácil? No. Hace 40 años que se hacen discos de covers y los ha habido de todos los colores”, explica Paul Reidy, jefe de producto de la discográfica Universal.

Es verdad. El mundo del jazz lleva décadas revisando los mismos estándares y nadie se atrevería a cuestionar la creatividad de Miles Davis ni cuando tocaba Time after time, de Cindy Lauper. Quizás uno de los problemas al analizar estos fenómenos es la idea de que si varias cosas similares coinciden en el mismo lugar, al mismo tiempo, se trata de un contagio y, según Reidy, esto no tiene por qué ser así. “Hay dos cosas diferentes. Por un lado yo creo que es casualidad que todos estos artistas hayan hecho estos álbumes. Lo que no creo que sea tan aleatorio es que todos se hayan publicado en el último trimestre del año. Muchos están destinados a ser producto navideño. No requiere tanto esfuerzo por parte del oyente. Cuando presentamos una versión a la radio son más receptivos. Es un pelín más fácil que un repertorio desconocido”.

Vista la dramática situación del mercado, que en España es aún peor (las ventas han caído en el primer semestre de 2010 casi un 13%, encadenando nueve años de descenso), cuando un músico conocido llega con un proyecto así la firma debe respirar. “Si aparece Metallica diciendo que va a hacer un disco orquestal de folk irlandés del siglo XVII te da un poco de yuyu. Pero, si te proponen un disco que se corresponde con sus influencias, que sabes que van a interpretar con dignidad y criterio, nadie se pone nervioso”, reconoce Reidy. O, como explica Liñán: “No es que se venda más que con temas originales, pero el hacer un disco con canciones nuevas y que funcione es muy difícil”.

Es un mundo complicado para jóvenes y veteranos por igual. En septiembre Music Week, la biblia de la industria musical británica, dedicaba su portada a la desaparición del rock y el indie de las listas de ventas del país. “El resurgimiento del pop y la urban music está enviando al rock a los libros de historia”, afirmaba. Si tenemos en cuenta que el tema de rock que más se ha vendido en Reino Unido en 2010 es ‘Don’t stop believin”, de Journey, editado originalmente en 1982, parece lógico que los músicos miren para atrás.

Si esta moda es circunstancial, una retirada a los cuarteles de invierno esperando a que el tiempo mejore, mal. Pero si se trata de una crisis de creatividad, de una rendición al constatar que ya no hay nada que hacer, la situación entonces roza lo dramático. El primer disco español de versiones que aparece en la lista de los más vendidos es Introversiones, de Celtas Cortos. Los vallisoletanos han decidido adaptar canciones que les han influido. “Surgió de forma furtiva. El próximo disco de canciones propias estaba lejos. En principio, era plasmar la gratitud a artistas que nos han dejado huella. Es cierto que cuando publicas un disco nuevo de partida ya cuentas con el fracaso, o con el no-éxito al menos. Desde luego es una manera de darte aire a ti mismo y de tomar un poco de perspectiva y tomar tiempo para lo que puedas hacer después”, dice Alberto García, violinista del grupo vallisoletano. “Te lo puedes tomar, si quieres, como una falta de ideas. Pero yo lo veo como probar de otro plato. Se le puede dar la razón o quitar al que lo diga dependiendo de lo que venga detrás”.

 

EXPERIENCIAS PRECOCINADAS, por Diego Manrique

Hubo una época en que lanzar un disco de versiones constituía todo un desafío estético. A principios de los setenta, el rock empezaba a ser consciente de su trayectoria -se habían publicado las primeras historias y enciclopedias- y hacía memoria. David Bowie evocaba en Pin ups (1973) el excitante Londres de los mods y la primera psicodelia. Coincidía con These foolish things, debut de Bryan Ferry como solista, que aplicaba sensibilidad del pop art a improbables temas de Dylan o los Stones. Unos meses más tarde, con Moondog matinee, The Band recuperaba su duro aprendizaje en locales de tercera división. Y Lennon iniciaba la grabación de su Rock ‘n’ roll.

Todos esos discos mostraban voluntad reivindicativa, a veces incluso contenían argumentos contrarios al purismo dominante. Ferry ampliaba las fronteras musicales y emocionales del pop al recuperar el tema que daba título al disco, un standard de 1936. Hasta The Band rompía su ortodoxia con la interpretación del cinematográfico El tercer hombre. Las motivaciones de fondo eran variadas pero, incluso entre los que necesitaban rellenar un hueco y salir del paso, latía la esperanza de que el viaje al pasado tuviera propiedades vigorizantes, que sirviera para recuperar la pasión primigenia.

Cierto que, en 1973, los cincuenta y los sesenta parecían un país remoto. Hoy, el pasado vive entre nosotros y nos muestra su perfil más favorecedor. El cine, la publicidad, las series recurren al inmenso poder de las canciones añejas. No se requieren máquinas del tiempo: las reediciones, las remasterizaciones, las ediciones conmemorativas nos traen las glorias pretéritas.

En el tiempo del reciclaje, todo es recuperable con un pellizco de ironía. La colección de versiones forma parte del abanico de opciones útiles para estirar una carrera, como el desenchufado, los duetos, las remezclas, el rick rubin, la inmersión en la world music, el disco con orquesta de cuerdas o metales…

Lo saben personajes como Clive Davis, el disquero del concepto vendedor, que rige los pasos de Rod Stewart o Carlos Santana. La fórmula: juntas un cancionero inoxidable con una cara reconocible y ya tienes una oferta irresistible para ese tipo de consumidor que ignora los placeres de las versiones originales o los dramas del proceso de creación; prefiere emociones premasticadas, uniformidad sonora, digestiones fáciles. Por el precio que paga por lo nuevo de Phil Collins, podría comprarse una caja llena de prodigios de Motown. Pero eso exigiría un esfuerzo. Exigiría cultura.

 

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La la la (The Sabotage Times – Also in English!)

Otra entrada que consiste en copiar un artículo. Pero es que esta lista me ha parecido brillante.

TOP 10 SONGS THAT GO… LA, LA, LA

Tim Law, en The Sabotage Times

That’s Entertainment – one of the greatest songs ever written. It took Paul Weller 35 minutes to write, or so legend has it. He scribbled it down while sat pissed on the last bus home.

What do the lyrics mean? Haven’t got a clue. And I don’t care – because it sounds great. Especially the chorus:

That’s entertainment.

La-la-la, la-la-la

Why bother spending hours torturing yourself over some wanky lyrics when you can express yourself with a noise? For some reason, that noise usually comes out as  ‘la, la, la’. So, here’s the definitive list, which nobody can argue with, of the 10 greatest songs that go la, la, la.

10. Van Morrison Brown Eyed Girl

It’s no wonder Van Morrison turned into such a miserable git. Despite releasing about 7,000 albums during his life, Van is still best known for one track: Brown Eyed Girl. It’s his signature tune. One of the most played songs in the history of recorded music, recently racking up its nine millionth radio play. But here’s the good bit. Van the Man claims that, owing to a dodgy contract he signed as a youngster, he’s never received a penny in royalties for it. It may explain why he hates it so much. He has said, “I’ve got about 300 songs which are better”. Still, it’s a cracking tune from one of the masters of the la, la. Check out Caravan as well.

Lyric:

Do you remember when we used to sing?

Sha-la-la-la-la-la-la-la-la-la-la-te-da

Sha-la-la-la-la-la-la-la-la-la-la-te-da

La-te-da

9. Lanc-y-shurr La, La, La

There’s no better sound on a summer’s afternoon than a bunch of fat, sun-burnt Lancashire cricket fans bellowing out this terrace classic. It’s the bacon sandwich of the la, la song. Stripped down to its raw components: name of county, three la’s and some booze. That’s it. Simple. Beautiful. If it was sung by anyone else it could easily sound a tad moronic. But filtered through the bizarre high-pitched drone of the Lancastrian – it becomes the la, la equivalent of Hallelujah.

Lyric:

Lanc-y-shurr… la, la, la. Lanc-y-shurr… la, la, la

8. The Faces Ooh La La

Bit of a cheat this. Despite the title, you’ll only find a smattering of five la’s in this tune. But fuck it, it’s a cracking song. This was recorded just as the The Faces were falling apart. Ronnie Lane wrote it for Rod Stewart, but the mullet-haired idiot refused to sing it – didn’t like it, apparently. It was left to a pre-Rolling Stones Ronnie Wood to do the vocals on the album version. But it’s this later version, sung by Ronne Lane, that does it for me.

Lyric:

Ooh-la-la

Ooh-la-la-la, yeah

7. Half Man Half Biscuit Venus In Flares

Trust these loveable Birkenhead scallywags. They couldn’t just do a song with some la’s, oh no: they had to be all postmodern and droll about it and deconstruct its use in the tool shed of lazy songwriters. Smartarses. Good though – off their first album.

Lyric:

And I went la-la-la-la-la-la-la

La-la-la-la-la-la-la

I went la-la-la-la-la-la-la

Just like everyone else does when they can’t think of any more words.

6. Wolfgang Reichman Himmelblau

What do you need to know about Wolfgang Reichman? Well, you’d never have guessed it, but he was German. He dressed like an accountant, wore blue lipstick and was stabbed to death by a random stranger just a couple weeks before his first album was released. Himmelblau is nine minutes of bubbling, shimmering electronica. It sounds a bit like Kraftwerk driving a Fiat Punto through the countryside. It keeps you waiting before the la, la bit kicks in, but stick with it – it’s worth it.

Lyric:

La-la-la-la-la-la-la-la-la-la-la-la-la-la.

5. Iggy Pop – The Passenger

This has to be included, I suppose. It’s a shame, because Iggy Pop really is one of the most tiresome dickheads ever to parade around on a stage with his top off. Iggy – currently performing in his latest car insurance advert – has only ever recorded two half-decent songs: Lust for Life and The Passenger. And despite being poisoned by association with its creator, The Passenger has survived as the Smoke on the Water of the la, la, la. Yes, Bowie did some of the backing vocals. Now fuck off.

Lyric:

Singin’ la-la-la-la-la-la-la-la

La-la-la- la-la-la-la-la

La-la, la, la, la, la, la, la, la, la

4. The Jam Saturday’s Kids

You can chart the decline of Paul Weller by the number of songs he wrote which featured a la, la, la. Back in the 80s, just about every Jam song seemed to include a burst – That’s Entertainment, Going Underground, Man in the Cornershop – all class. But the height of the Weller la, la, la came with Saturday’s Kids. After that he started getting into jazz, writing sensible lyrics about emotions and the next thing you know, you’re in a field surrounded be middle-aged men watching the UK’s dullest musician.

Lyric:

La-la-la-la-la-la-la-la-la-la

La-la-la-la-la-la-la-la-la-la

La-la-la-la-la-la-la-la-la-la

3. Elvis Presley I’m Leavin’

This was a commercial flop for 70s Elvis. It showed its face in the Top 40 before scuttling off into obscurity. But it remained one of Presley’s personal favourites, a song he continued to perform right up until his death. It’s not your usual Presley fare – it’s a song about loneliness and depression. The la, la, la’s here come from somewhere deep inside – a fragile and haunting refrain.

Lyric:

La-la-la-la-la-la-la-la-la-la-la-la-la

La-la-la-la-la-la-la-la-la-la-la-la-la

La-la-la-la-la-la-la-la-la-la-la-la-la

La-la-la-la-la-la-la-la-la-la-la-la-la

I’m, I’m leavin’

2. Joe RaposoSing

You might not have heard of Joe Raposo, but, if you’re of a certain age, you’ll be familiar with his tunes. He was a Portugese musician who used to write most of the music for Sesame Street, including the classy theme tune. He’s also supposed to have been the inspiration for the Cookie Monster. Raposo wrote Sing as something that kids on the show could learn easily. No need to remember lyrics, just go la, la, la. But it became something of a crooning classic after it was covered by the likes of The Carpenters and Barbara Streisand. Fuck you Radiohead. Fuck you Doves. Listen to this and weep.

Lyric:

La-la-la-la-la

La-la-la-la-la-la

La-la-la-la-la-la-la

1. Meic Stevens Y Brawd Houdini

If you hang around pubs in Cardiff for long enough, you’ll eventually meet a cantankerous old fella clutching a pint of wine. This is Meic Stevens – the creator of the best la, la ever recorded.

These days Meic looks a bit like Father Jack – and a few years back he was arrested for threatening to shoot a landlady who’d refused to feed him any more booze. In the 60s, however, he was a fresh-faced young folk singer who was touted as the Welsh Bob Dylan. With fame and fortune calling, Meic heroically slammed the door in its face. He insisted on continuing to write and record music in his native Welsh language. And he’s carried on doing it for the last 40 years. But it’s one of his very first songs which still stands out – Y Brawd Houdini. It’s a song about going for a beer with the brother of the escapologist. Once you hear this la, la, la – it’ll never leave. The greatest terrace chant that never was.

Lyric:

La, la, la, la, la, la, la, la, la, la, la, la, la, la

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Podría haberse añadido también, desde mi punto de vista, el Fu-gee-la de los Fugees, y por supuesto, el La La La de Massiel

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Top 5: canciones y fútbol

Dentro de la semana futbolera, después de la entrada sobre Maradona, el Top 5 se dedicará a canciones futboleras. Siendo incluso la mayoría de ellas (4), canciones apropiadas por el balompié, y que ahora muchos – o yo solo, en algún caso – asociamos casi exclusivamente al fútbol. Vamos, por no poner lo obvio de ‘Himno de la Champions’, ‘Himno del Atleti de Sabina’, ‘Cant del Barça’, etc. Que molan, pero… pasando.

5.- ‘Chelsea Dagger’, de The Fratellis. ¿’Chelsea Dagger’? ¿Por el equipo? Pues no. Misteriosamente, desde que leí un artículo de The Times sobre las peores 50 cosas del fútbol moderno – es la número 8 – , la asocio con el fútbol, y me imagino los resúmenes de los goles en Match of the Day o Estudio Estadio con esta música. Por lo visto es costumbre en algunos estadios cantar el estribillo – ese currao de ‘lololó lololó lololololo lololó lololó lololoooo’ – cuando hay gol… Habrá que verlo en vivo, espero.

4.- ‘When the Saints go marching in’. Pues sí. Tan mal estamos. O no tanto. Vamos, todo tiene una explicación. ¿Cómo pasa un gospel de funerales de Louisiana a convertirse canción de fútbol para muchos? Pues… a través del Southampton FC. ¿Jarl? Sí, porque al equipo se le llama el Saints, así que ya era cuestión de tiempo que se usase esa canción. Y en este link tenéis a la tribuna de Southampton cantándola (apreciad los grandes matices vocálicos), mientras que en el vídeo principal a Mr. Louis Amstrong. Que siempre mola.

3.- ‘He’s Got The Whole World In His Hands’. Otro gospel. Otro gospel con fútbol. Venga, a razonarlo. Pues básicamente, esta canción la empezó a utilizar el Nottingham Forest allá por 1978, en medio del ‘reinado’ del exitoso Brian Clough – recomiendo a los futboleros la película Damned United (2009) sobre sus 44 días al frente del Leeds United –, el año que consiguieron su primera liga (de cuatro… consecutivas) y el año antes de convertirse en campeones de Europa (título que conseguirían también al año siguiente). Estos señores adaptaron las letras originales, cambiando el título por ‘We Have The Whole World In Our Hands’, adaptándola al fúmbol, e incluyendo en los versos la plantilla y el cuerpo técnico (“We’re gonna win / We’re gonna win everything /  So stand up and and sing for Cloughy the king / (Cloughy, Cloughy, Cloughy…)”). Y la letra original es así – versión de la gran Nina Simone –, mientras que la adaptada es de la siguiente manera:

2.- ‘Three Lions’, de Baddiel, Skinner & The Lightning Seeds. La única de aquí que fue hecha ex profeso para el fútbol. Fue hecha para la Eurocopa de 1996 de Inglaterra, pero se ha utilizado desde entonces – incluyendo una versión para el Mundial de Francia de 1998, y otra con Robbie Williams y Russell Brand para el Mundial de Sudáfrica de este año – para animar a los ingleses en sus grandes éxitos futbolísticos. Lo que además mola de la canción – o me gusta a mi, vamos – es que no habla mucho tampoco de las grandes hazañas, sino que mete muchas coñas y muchos fallos de la selección inglesa (“England’s gonna / Throw it away / Gonna blow it away […] So many jokes, so many jeers / But all those oh so nears / Wear you down
Through the years
”), pero también da algo de esperanza (“I know that was then, but it could be again”). Vamos, sólo comparemos con el ‘A por ellos’ del Mundial de 2006, starring Luis Aragonés, RBaúl, Míchel Salgado, el cantante de Los Inhumanos…

(PD: Al loro la entonación de los teutones a partir de 3:43, en la celebración del triunfo en Frankfurt)

1.- ‘You’ll Never Walk Alone’, del musical Carousel de 1945. La canción futbolera por excelencia, ¿no? A principios de los 60, el Liverpool FC empezó a utilizarla, y en 1963 el grupo Gerry & The Pacemakers la grabó (una de las múltiples versiones que hay) en lo que pasó a ser el himno oficioso del Liverpool. De hecho, su versión es la utilizada en la megafonía del estadio para – lo que veo como una cagada – guiar en el cántico, como podemos ver en este vídeo. Mucho mejor cuando no hay megafonía, como en Estambul en 2005. Pero para ilustrar el número 1, elijo a Elvis, que para eso es El Rey.

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Tipologías de versiones

Mucho se habla de las versiones que se hacen de las canciones, y muchos blogs suelen optar por poner la original y varias versiones y comentarlas, como en las ‘relecturas’ de Musiqueando, por mencionar un blog amiguete. De las pinículas se suelen llamar remakes, pero eso es otro tema que prefiero no tratar, y tampoco tienen muy buena prensa en general (¡lanzo el guante a quien lo quiera recoger y escribir sobre ese tema!). Con los libros, se pueden hacer reediciones con traducciones diferentes, pero en el idioma original esa posibilidad no suele existir – claro, casos como El Quijote u obras de Shakespeare, trasladándolo al castellano o inglés actual. Nos dedicaremos a las musicales, entonces.

Para empezar, varias preguntas:

¿Para qué se hacen las versiones? ¿Por qué un grupo elige una canción concreta de otra persona y la toca, graba y demás?

Creo que para responder a esta pregunta hay que plantearse qué tipo de versiones hay en la música, y porqué (creo) que se hacen. Obviamente, no vengo de profeta por la vida, pero cuando se suele hablar de versiones, se podría dividir en general en una de las siguientes tipologías.

Versiones literales: estas son bastante comunes, pero creo que sobre todo en los comienzos de la industria musical masiva, con Elvis, The Beatles, Frank Sinatra, etc. Básicamente, son versiones que utilizan la misma letra y la misma música, dentro de las posibilidades interpretativas (y vale, la musicalidad de la voz como instrumento, si nos ponemos pedantes). Supongo que en muchos casos se hacía para que un artista emergente o semiconocido se apoyase en uno de sus referentes. Esta peaso reflexión me ha venido después de ver cómo por ejemplo Elvis Presley mete ‘Blue Suede Shoes’ de Carl Perkins (1955), ‘I Got A Woman’ de Ray Charles o ‘Tutti Frutti’ de Little Richard en su primer disco (Elvis, 1956), o The Beatles meten ‘Roll Over Beethoven’ en With The Beatles (1963). También hablar de los discos-homenaje a cantantes, o cantantes consagrados que ‘aprueban’ a posibles discípulos metiendo algún temazo suyo cantado por ellos en un disco o un concierto. En este sentido podríamos decir que hay versiones ‘literales’ para lanzarse al estrellato, otros de reconocimiento de los ‘discípulos’, y otra de reconocimiento del ‘maestro’. Aunque vamos, esta tipología de versiones las suelo ver como eso, homenaje, sea cual sea la motivación (incluida ésta o ésta). Supongo que en esta categoría deberían entrar las ‘cover bands’ – o ‘bandas tributo’ –, pero… pasando. No terminan de molar.

Versiones en la música: también común a patadas, en todas las épocas y todos los estilos que se quiera. Ponerte a hacer una lista puede hacerte echar un par de vidas (aunque siempre se puede echar un ojo a webs como Second Hand Songs, Cover Vs. Originals o The Covers Proyect). Me refiero a las versiones donde se mantiene la letra, pero la música cambia. Y hay versiones de todo tipo, desde dentro de un mismo estilo hasta versiones que nos dejan alucinando como la versión de ‘Bad Romance’ de Lady Gaga que ha hecho Lissie hace más bien poco, y que ya colgué en un post anterior junto a otras versiones de la misma canción. Sobre las motivaciones, de todo hay, desde homenajear dentro de un mismo mundo hasta, creo yo, reconocer al Mundo De La Música en general dejando a muchos pensando si es ortodoxo dentro del moderneo-coolismo cantar letras hechas famosas por Britney Spears o mover las caderas salseramente al ritmo de ‘Dancing Shoes’ de Artic Monkeys. Y decir que este tipo de versiones son las que hacen que los análisis textuales de las canciones para explicar comportamientos y significados a nivel identitario no valgan para gran cosa.

Luego está la tercera y – desde mi punto de vista – más curiosa variedad: misma música y diferente letra. Porque normalmente se tiende a hacer desde las traducciones de canciones tipo ‘Lola’ de M-Clan que comentábamos en el post sobre The Kinks hasta coñas de todo tipo en el idioma que sea. Desde Richard Cheese hasta El Reno Renardo, pasando por Siniestro Total, Gigatrón o Los Berzas. Pero eso, luego llegamos a la especialización local, y que parece que algunos ‘arti-tas internasionaleh’ como Shakira o así hacen por defecto, como sufrim… como vimos con el ‘Waka-Waka’ este del Mundial. Y esta especialización son las versiones que consisten en la traducción y ajuste del texto (por aquello de que cuadre con la música). ¿Y motivaciones? Pues incluso las que son coña, diría que un claro homenaje a los creadores originales – aunque habrá casos en los que supongo simplemente el grupo B vea que una canción se ajusta a la sarta de paridas que va saliendo, como en ‘Camino Moria’ (no veo a El Reno Renardo homenajeando de todo corazón a Gabinete Caligari).

Por último, y como cosa mencionable, también están los casos donde se meten ‘morcillas’ de algunas canciones en otras las, desde Joaquín Sabina metiendo ‘Knockin’ On Heaven’s Door’ allá donde puede, como punkarras tipo Piperrak metiendo una parte de ‘Pedro Navaja’ (acabo de escuchar la canción y al grupo después de… muchísimo tiempo, y joder, no hay quien lo aguante. Y en casos como este segundo, la sorpresa es mayúscula bastante sorpresa.

En fin, el 85 % de esto lo tenía escrito de hace un ratejo ya, y por acabarlo y colgarlo. ¿Dónde quiero llegar con esta parrafada? Pues a ningún sitio, copón. Sólo es que me gusta escuchar versiones de canciones que me gustan. Y este blog, como bien se indicó allá por el Manifiesto Fundacional, está para que me dedique a verter chorradas en el internéee. And that’s all, folks.

Propuesta de esas que luego no triunfan: poned en los comentarios vuestras versiones favoritas, y luego pongo un post con las de cada uno, o algo así. Anda. Dadle cera. ;-)

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